RUNE GRAMMOFON of NORWAY
致力於發行具創新冒險精神的挪威音樂，旗下作品除了一貫發自真心具獨特性格，並無類別、風格限制，是良莠不齊的擁擠唱片市場中的一股清流。聽Rune Grammofon的發行讓人再次感受發現新的好音樂的快樂魔力。
LABEL STORY廠牌故事
ＣＤ評介
Arve Henriksen -- Strjon (RCD2061)
挪威超級即興團體Supersilent的小喇叭手Arve Henriksen，之前發行的兩張個人專輯「Sakuteiki」與「Chiaroscuro」皆令人驚豔於他利用效果器轉換後的樂器吹奏和假聲哼唱所呈現的前衛聲響，如何因為融入了經典ECM的民族音樂傾向而空靈飄渺，優美抒情。這張以他故鄉命名的最新專輯「Strjon」，則是更具野心的不同嘗試：一方面透露了當地自然環境所予以他的啟發，更重要的是代表著他剖析自身今日音樂性格之養成的心靈探索。Henriksen找出自己從16歲起所做的許多電子即興、音景等聲音實驗片段，仰賴Supersilent夥伴Helga Sten的製作功力（以及Stale Storlokken的鍵盤演奏），將之重新編排改寫，在保留首作的日式冥想空間並延續前作光與影之間的憂鬱對話之餘，這音樂含有更多Supersilent招牌的晦暗糾結張力，明顯更加成熟，尤其最後那彷彿穿越峽灣進入遼闊草原的豁然開朗，絕對是種昇華。
Shining -- Grindstone (RCD2060)
自上張專輯後陣容有所調整的前衛爵士搖滾四人組Shining，音樂依舊難以定義。這些年輕的挪威樂手，不滿足於只玩一種風格，而偏好從四面八方汲取靈感，自由遊移於重金屬的吉他riffing、電影感的音景、爵士與古典之間，他們以無窮的精力將所有意念全部擠進有限的時間與聲響空間內，再透過精準的製作控制其爆炸，得到的結果刺激興奮、獨創性十足卻不乏結構一致性。至於媒體上用過、想要藉以定義Shining風格的比較參照，不知是會勾起人們的興趣或是嚇跑所有樂迷？包括前衛搖滾團體The Mars Volta、King Crimson、Henry Cow、This Heat、thrash metal代表Slayer、70年代爵士搖滾經典團Mahavishnu Orchestra、自由爵士薩克斯風手Ornette Coleman、以鳥叫聲為靈感素材的法國作曲家梅湘，和作品曾被大導演庫柏力克用為配樂的李格悌。
In the Country -- Losing Stones, Collecting Bones (RCD2059)
相較於上張作品更為易聽的「Losing Stones」， 11首作品皆由鋼琴手Morten Qvenild創作，聽來簡單的音樂充滿可呼吸的空間，讓人想起爵士鋼琴手Paul Bley的音樂，但在典型爵士的和聲語法之外也有著優雅民謠性格。透過音色與層次營造氛圍正是In the Country的強項，基本的配器每次聽卻能出現更引人入勝的趣味與細節，尤其是鼓手Pal Hausken的敲擊，完全不以節奏律動為主，反而像是揮灑水墨般輕輕妝點著音樂的質感，緩慢拉扯出張力。不得不提的是，Tom Waits長期合作的吉他手Marc Ribot跨刀演奏兩首作品，算是專輯情緒上的高潮。
Susanna and the Magical Orchestra -- Melody Mountain (RCD2057)
首張專輯就讓我們見證過Susanna將別人的歌唱成完全屬於自己風格的本領（翻唱桃莉芭頓的Jolene），這次她和夥伴Morten Qvenild更進一步，做了一整張翻唱曲，而且選擇非常令人驚訝：除了本就旋律性豐富的抒情歌謠，甚至包括Depeche Mode陰鬱的機器人舞曲，如AC/DC和Kiss的重搖滾吶喊，在簡單赤裸的伴奏下由Susanna婉約唱來，輕清透亮，美得令人心碎。最值得一提的是第一首，Leonard Cohen的「Hallelujah」，不僅是他們最早錄製的試聽帶作品，據說每次現場演出都能讓觀眾安靜到啜泣聲清晰可聞。
「好的翻唱曲的生命，究竟是翻唱者所賦予的魅力，還是原創者的旋律植披完善？」by coldbean
Svalastog -- Woodwork (RCD2056)
與Biosphere是同鄉的Per Henrik在挪威電子音樂界闖蕩多年。有次他意外在祖父位於山上的穀倉裡找到一台老舊的傳統挪威箏琴harpeleik，激發他從數位電音轉換到民俗樂器演奏，回歸自己文化的根源與環境。在這張專輯上，他即興演奏挪威已近乎失傳的民俗樂器（除了箏還有兩種號角），經過電腦處理後，低調而溫柔的聲響泛著寧靜光輝，呈現的景象並非冰封峽灣，而是陰鬱森林。
Humcrush -- Hornswaggle (RCD2055)
2006年稍早甫發行首張個人專輯的鼓手Thomas Stronen，再次與挪威超級即興團體Supersilent的鍵盤手Stale Storlokken合作，採用兩人前張專輯的名稱Humcrush為組合名，完成這張充滿趣味、令人驚喜的Hornswoggle。鼓手精確緊密而顯得有些瘋狂的節拍與強勁律動，不僅有groove甚至很funky，相應和的則是帶些扭曲電氣噪音卻旋律性十足，用以建構氛圍的合成器彈奏；然而，兩人有時又角色對調：Stronen以他招牌的甘美朗式敲擊提供音調氛圍，Storlokken則在鍵盤上釋放出不和諧的猛烈爆破。整體來說，專輯彷彿在有形的格局內展現Supersilent較容易聽的片段，同樣興奮刺激，但不致腦漿迸流。
Phonophani -- Phonophani (RCD2054)
挪威電子音樂經典重發！挪威電子原音二人組Alog的Espen Sommer Eide，1998年以Phonophani代號發行同名專輯，限量500張，今天聽來仍清新獨創。本次發行特別增收同期的三首作品。
The White Birch -- Come up for Air (RCD2052)
Rune Grammofon旗下難得出現如此平易近人的歌謠專輯。常被拿來與Sigur Ros、the Kings of Convenience相比的挪威三人組The White Birch，確實走的是旋律至上的憂鬱、夢幻路線，不過，也有更多人覺得他們的音樂因為寧靜流暢而反映了北國特有的景觀。聽著主唱／吉他手Ola Flottum咬字斷續輕柔、平淡到幾乎不像在唱歌的唱腔，時而彷彿完全溶化於器樂伴奏中，時而從間緩緩浮現，產生的應稱不上傷感情緒，而是種遁入被延展時空的鬆弛。
Thomas Stronen -- Pohlitz (RCD2051)
挪威當今曝光率最高的鼓手Thomas Stronen隸屬樂團包括Food、Humcrush、Parish、Maria Kannegaard Trio，共參與過30張專輯。他的這首張個人專輯，從即興敲打各種除了鼓以外的打擊樂器出發，擷取如早期Steve Reich等極微主義風格、傳統甘美朗音樂和挪威國寶級現代作曲家Arne Nordheim的經典電子音樂等元素，而強調旋律與細節的精準控制之作。
MoHa! -- Raus Aus Stavanger (RCD2049)
風格與Supersilent和Scorch Trio接近的MoHa!二人組，是Rune Grammofon最年輕的新簽約藝人。吉他手Anders Hana (23歲)與長期搭檔鼓手Morten J. Olsen (24歲)在傳奇的Athletic Sound錄音室裡即興錄音，溝通順暢、控制準確與充滿創意的音樂類型涵蓋高能量即興、悶燒低音riff與細節精巧的電子聲響。
Spunk -- Aldeles Forferdelig Sykdom (An Absolutely Terrible Disease) (RCD2048)
挪威女子全即興四人組Spunk，紀念創團十年的第三張錄音室專輯一貫的大膽、風趣、警覺避開自由集體即興表達方式的諸多陷阱，各種點子態勢以閃電般速度浮現挑戰極限，卻又每每在混亂邊緣急停收回，四個團員的貢獻彼此呼應牽制，保持微妙完美平衡，帶來聽覺、知性、感官全方位刺激。
SUPERSILENT LIVE DVD
挪威全即興超級團體Supersilent 2004年八月在奧斯陸的現場演出DVD，由Rune Grammofon御用設計師Kim Hiorthoy以16mm黑白影片拍攝，109分鐘不經修飾完整呈現，極具震撼魅力（全區/PAL)
「Supersilent 7」by coldbean
Luigi Archetti+Bo Wiget -- Low Tide Digitals II (RCD2046)
義大利吉他手Luigi Archetti和瑞士大提琴手Bo Wiget 延續2001年備受好評的首張合作專輯（也是Rune Grammofon首次非挪威藝人的發行），事隔四年再次以同名Low Tide Digitals探索明亮、空曠而隱約綿延的聲音景觀及連帶產生的情感狀態。這些半即興半作曲的原音樂器與電子元素融合體，刺激感官又充滿神秘的動人力量。在擺盪的loop及顫抖的drone襯托之上，吉他、大提琴及漂浮的電子聲響，閃爍清簡地創造出優雅、細膩、低調的層次感，奇特而美，讓人想起Stockhausen、Brian Eno或Biosphere。寧靜與迫切感、喜悅與憂傷交替沈澱，終至寂然。
In the Country -- This was the pace of my heartbeat (RCD2045)
視野裡，幾次投石，小徑出現，引入一片原野。2003組成的挪威樂團In the Country，琴弦鼓三重層疊熟悉的爵士音色，緩調展開北海風景，是溫度宜人的季節，彷彿在葛巴瑞克冷冽高風止息後的數月，可能還是一個人，以自己心跳的律動漫走。年輕的團員，鋼琴手Morten Qvenild和貝斯手Roger Arntzen都是挪威音樂學院出身，鼓手Pal Hausken和不同類型的樂團合作，三個人第一張專輯，隨興的自由感流暢推動一種溫和、親近、光線閃爍、濃淡消長的整體氣氛，個自技巧的表現不如非常技巧地共鳴心中的那首歌；也有險暗的時候，但情感和想像力自如地轉折變化，窗子一扇扇從容打開，最後定景在韓德爾的詠嘆調，疏落有致，風格有形。
— by fluvia lee
Shining -- In the Kingdom of Kitsch You Will Be a Monster (RCD2044)
Rune Grammofon發行Death Metal？別開玩笑了吧。雖然Shining包含兩名曾屬於Jaga Jazzist的成員，這張專輯卻明顯脫離之前兩張的爵士風格，而大量採用典型的重搖滾（金屬）語法：第一首Goretex Weather Report用上了Death Metal的吉他riff，以及像是恐怖B片配樂的高音域合成器獨奏。儘管如此，隨著專輯展開，爵士元素（及更多其他各類風格）亦逐漸顯露，且以類似七０年代爵士搖滾fusion樂團Mahavishnu Orchestra、不乏自由即興的技巧存在。不論是數把吉他的飆奏、古早鍵盤的打擊式和弦、銅管之間的對話（偶而還帶有ECM式的抒情性格）、甚至搖滾音樂劇的那種敘事鋪陳，其混雜方式因為極具獨創性，尤其摒棄了無止盡無意義的獨奏或交響樂堆砌，而持續緊抓著聽者的注意力。這是可與King Crimson高峰期作品相提並論，開創前衛藝術搖滾新方向的未來經典。
Alog -- Miniatures (RCD2043)
光塊落在四周，由生動的幾何圖型、線條和彩色弧線纏繞組合而成，它們各自維持本身的形狀，互相混凝。看著光影幻覺，憤怒、快樂與回憶，心底泛起微微的哀愁，彷彿自己被包圍住了。挪威實驗樂隊Alog，取自digitAL和anaLOG，從團名到音樂內容，致力於數位與類比的結合，由Espen Sommer Eide（aka Phonophani）與Dag-Are Hauga兩人於1997年組成，承接起挪威現代音樂大師Arne Nordeheim以電子手法對於新奇音色與自由無調的探索，在這張讓人等待四年之久的新專輯Miniatures，加上Nicholas H. Mollerhaug的歌聲和大提琴，專輯名稱以土耳其細密畫（miniature）繪畫藝術為題，像是聖索非亞大教堂的建築與米羅的畫作，他們做到了既抽象又易於親近的音樂，真實樂器、電腦數位、聲音取樣、細微機器噪音有機地結合在一起，整張專輯已經超脫了拼貼碎片，連續的瞬間千變萬化，充滿流動感，產生無限的幻想。
— by galeer
Nils Okland -- Bris (RCD2042)
著名「挪威傳統音樂革新者」Nils Okland，以挪威最具代表性樂器哈丹格爾小提琴（hardanger fiddle），持續建立民族音樂通往古典、當代與即興音樂的橋樑。他的演奏一方面秉持對挪威傳統音樂遺產的尊重，另一方面以自由態度探索傳統器樂在現代樂潮的衝擊下，到底會產生出什麼可能性。在這最新專輯 Bris 中，Okland不但演奏哈丹格爾小提琴、小提琴、中提琴與古中提琴（viola d’amore），還創作專輯中所有曲子（以哈丹格爾小提琴手來說頗不尋常，因為一般都是演奏既有曲目；部分樂曲則是特別為一部關於挪威19世紀浪漫主義畫派代表人物Lars Hertervig的劇作Melankolia所譜寫），聯同長期合作伙伴Sigbjorn Apeland（小風琴）、挪威著名即興爵士樂團Food的貝斯手Mats Eilertsen，加上打擊樂手Per Oddvar Johansen與 Hakon Stene，共同成就出這張簡約、沈鬱與內省的當代挪威新民謠傑作。
Nils Okland其他專輯
Food -- Last Supper (RCD2041)
相較於前作Veggie，Food的新專輯Last Supper顯得優雅許多。擺脫了原有的低迷陰霾，這次唱片自開場就率先奉上Mats Eilertsen的原音貝斯戲話，再透過Arve Henriksen的激昂小號與嗓音牽引，Iain Ballamy由暗化明的薩克斯風吹奏，以及Thomas Stronen活絡音樂爵士肌理的精湛打擊聲效，呈現Food一次最美麗的回歸。Last Supper除了要比Veggie更具旋律性，同時也加強了電音的運用，你可以從隨處傳來的陣陣電子聲效中感染到Food的異常與改變。個人深愛 "Christcookies" 裡小號與薩克斯風命運般的交錯。而 "Quinoa" 的唯美與悠揚，則是Henriksen與Ballamy另一次的交鋒。"Daddycation" 是唱片中難得柔軟的曲調，四位一體打著和弦模式行進的唯美演奏，是自己最喜愛的歌曲。
— by boyethan
Scorch Trio -- Luggumt (RCD2040)
由芬蘭吉他手Raoul Bjorkeheim與挪威新生代樂手Ingebrigt Haker Flaten、Paal Nilssen-Love於2001年共同組成的Scorch Trio，無疑是Rune Grammofon底下的Jimi Hendrix Experience或Sonic Youth。Scorch Trio保留了ECM當年的實驗音樂色彩，從冰冷的質地中不斷加溫出游刃於自由即興與搖滾的素材。時而氣拔山河、時而鬼哭咆哮。無論是Bjorkeheim如Jimi Hendrix、John McLaughlin般的吉他狂馳，或是Ingebrigt Haker Flaten的綿密bassline與Nilssen-Love失控的鼓擊演出，皆為樂團營造出充滿爆炸性的自由即興氛圍。在這張Luggumt中他們似乎加倍的奔馳於Fusion/Rock的路線，從唱片開場曲 "Kjole Hole" 長達十多分鐘的即興演奏，上張專輯的理性似乎已被全數拋開。
— by boyethan
Stronen+Storlokken -- Humcrush (RCD2039)
瞧，Humcrush封面這般石砌而成的硬朗風格，剛好影射Supersilent鍵琴手Stale Storlokken以及Food鼓手Thomas Stronen的首次合作風貌。Supersilent多變的音樂層次，從Can、Orb一路到Sigur Ros、GY!BE皆有所獲；而Food具旋律性的電子情境無疑增添了聆聽上的有機性。今天Stronen與Storlokken的搭配，就如同舊日Burt Friedman與Jaki Liebezeit（Can鼓手）的合作，Stale Storlokken所彈奏的是一份Synth-Music的浪漫思潮，Thomas Stronen則是以即興化的鼓點穿透聲響的寂靜空間，在這張滿佈玄妙鍵琴彈奏與揚長鼓擊聲浪的專輯中，有著Supersilent的驚世駭俗，也有Food的甜美因子，不是爵士、也不是電子，恐怕是來自北國的新古典浪漫。
— by boyethan
Phonophani / Oak or Rock (RCD2038)
相較於前作Genetic Engineering，只能說這張Oak or Rock是Phonophani（Espen Sommer Eide的個人音樂計劃）的煉石昇仙版。單從一開場的曲子 "Earth Diver"，便能嗅覺到猶如Alog那滿佈電流肌理與神秘的環境音效及vocoder搭疊運用。Phonophani這次更通人性地帶來鐵琴、吉他與人聲的多重「原音」伴奏，表面上已擺脫前作的深遂與幽閉，實則另闢了一條通道，引領我們進入他的音樂花園，遇見更多豐沛的樂器彈奏而流連忘返。當標題曲 "Oak or Rock" 那如同Deathprod、Biosphere般的晶瑩電聲傳來，Phonophani大抵會被冠上Post-Oval的美名吧。值得一提的是有Maja Ratkje參與的 "Cloudberry"，還真能與Voice互通靈氣，也著實令人聯想起Bjork。
— by boyethan
Arve Henriksen -- Chiaroscuro (RCD2037)
挪威實驗即興團體Supersilent小喇叭手Arve Henriksen的演奏神乎奇技，假音吟唱引人注目，這張與聲音藝術家Jan Bang與前衛爵士鼓手Audun Kleive合作的Chiaroscuro，很難只以現代爵士或是實驗即興等技術名詞一筆帶過。專輯名稱是義大利文，光與影之意，這呼應著義大利詩人Quasimodo (1901-1968)的詩句:「我們每一個人都孤獨地站立在大地的心臟上，陽光刺痛我們，而突然間，夜晚降臨」。在光明與黑暗間徘徊的吹奏、敲擊與囈語，自制隱忍間透露出強烈的情緒波動。整張專輯讓我印象最深刻的是"Opening Image"、"Circled Take"等曲子，Arve Henriksen竟能以小喇叭表現出日本古樂的氣氛，彷彿在聽武滿徹（Toru Takemitsu）為黑澤明電影「亂」的配樂（1985）以及早阪文雄（Hayasaka Fumio）的「羅生門」與「七武士」配樂作品。
— by galeer
Deathprod / Morals and Dogma (RCD 2035)
這是Rune Grammofon旗下最重要的音樂人Helge Sten，以Deathprod名義出版的最新，也可能是最後一張專輯。Helge Sten最廣為人知的是他挪威傳奇前衛四重奏Supersilent的創始團員身份，不過當他以Deathprod名義走進自己的audio virus 實驗室時，一切總是讓人難以預料。這張已經讓人等了八年的專輯也並沒有讓人失望：四首慢板刺探著各種情緒的接縫，共同構成他有史以來最具情感張力、暗黑與深沉的長篇低音音景巨構，是他一切音樂概念的精釀提煉，既精純又渙散，充滿細節因而龐然、如被顯微放大般無邊無際，彷彿在打開了時間胞囊後發現，原來時間並不存在。
Susanna and the Magical Orchestra -- List of lights and buoys (RCD2034)
這隊「神奇交響樂團」其實只有鍵盤手Morten Qvenild（前Jaga Jazzist成員）與女歌者Susanna Karolina Wallumrod而已，再加上吉他兼鐵片琴手Andreas Mjos擔任客席嘉賓，Susanna的歌聲絕不張牙舞爪，顫顫巍巍地唱著一些心碎同時莫明堅強、有故事的歌謠，比方 “Jolene”（原唱是資深鄉村女伶Dolly Parton），她那如幽閉空間裡徘徊不去的心底呼喊（伴奏樂器正是美國鄉謠常用的自動豎琴）叫人驚絕。在 "Believer"中，曲末反覆如隨性為之的 "You're a believer/ I'm not" 仍叫人低迴不已。「神奇交響樂團」不比搖滾世界或世界音樂強調神乎奇技之器樂演繹的出現，他們的踟躕是敏感的、他們的蹣跚是精微的，在低溫的世界，你知道有他們，認真地點著聖歌般的光。
— by 小樹
Skyphone -- Fabula (RCD2033)
Rune Grammofon旗下少數的非挪威藝人：Skyphone這三人組合堪稱是丹麥電音的代表團體——介於空曠冷冽北歐高頻與德意志式無盡複雜微電音束間的舒適地帶，而他們將電子聲響與原音元素結合的方式以及實驗精神，則與同在RG發行的Alog、Phonophani、以及瑞典的Tape（Hapna發行）相似。儘管聽Fabula時隱約可察覺三人自1999年成團以來累積的成千上萬sample片段四散其中，整體音樂卻完好保持棉花般清爽質感，有嚼勁的吉他撥奏、朦朧的類比鍵盤和弦、shoegazing風格的貝斯線條，以及浮光掠影般幾乎不可聞的數位打擊樂聲在鬆散的空間結構中不著痕跡地被組合，如夢境般微妙流動，鬆弛氛圍讓人不想回神。
Jono El Grande -- Fevergreens (RCD 2031)
有如英國超現實喜劇團體Monty Python的劇作般戲謔卻精妙地混雜了諸多元素，Jono El Grande的音樂前輩或許是Frank Zappa，不過這隊由Jon Andreas Hatun及他帶領的九件樂器樂團（包括薩克斯風、鐵琴、木琴、鐘琴、小喇叭、長笛、低音大提琴和鼓），融合70年代初期前衛搖滾、easy listening、電影配樂、流行樂與馬戲團音樂，還添加了愉悅、熱帶風情的拉丁音樂，甚至拉丁版的easy listening。所有音樂都是仔細創作而成，俗氣易記的旋律、搭配得宜的編曲，娛樂性十足地在甜膩沈醉與尖酸刻薄之間找到漂亮的平衡點，歡樂的音樂雲霄飛車助人恢復活力，使人興奮開懷，誰說挪威音樂玩的只有深沈省思的氣氛？
Arne Nordheim -- Dodeka (RCD 2030)
Rune Grammofon的第30張發行，收集了挪威國寶級現代樂作曲家Arne Nordheim從未發行過、也是他最喜愛的12首作品（Dodeka即是希臘文的12）。充分描繪出聲響在他心中啟發的渴望，儘管經歷過類比到數位創作方式改變，以及無數障礙，他仍未放棄這些渴望及對音樂熱烈的知性追求。作品的基本素材來自Nordheim 1967至1972年間在華沙進行的聲音實驗，雖然當時硬體堪稱簡陋，卻不難辨別出Nordheim聲響獨特的性格與清晰度，聽來依然令人著迷，尤其因為結構上的模稜兩可（抽象或具象？），每次聆聽體驗都不盡相同，相似的音景頻頻營造出相異的氛圍，光與影難以察覺地從情感光譜的一端變化至另一端，卻毫不影響那脆弱卻完美的平衡。Nordheim的音樂無疑通過了時間與科技的考驗。
Maja Ratkje -- Voice (RCD2028)
得過許多次國際性現代音樂大獎，身為實驗電音團體SPUNK成員之一的Maja Ratkje，亦是目前跨界遊走在電子、噪音、爵士等不同領域的當代先鋒樂手。對於Ratkje而言，「噪音是一種正面的能量傳遞。而所有的噪音都直接來自我的內心」外表如古希臘雕像美的Maja如是說。有趣的是，這張專輯最大的創作概念與收音源亦多出自她個人的人聲發音，甚至她的收音點亦都非常隨性的散在錄音間、屋頂、美術館、兩間地下室以及電梯內，至於使用的器材則從錄音帶、MD、電腦硬碟、不同的取樣音源混製而成。從最鬼魅、癲狂到爆裂、狂放的喃喃聲響與嘶吼、尖叫，或再到最優美、迷人的吟唱，Ratkje對於人聲發音的掌握與運用確實已到了一種人煙稀少的邊境。
— by Ricardo
Spunk -- Den Overste Toppen en Blamalt Flaggstang (RCD2026)
近兩三年來，挪威女子實驗電音團體Spunk在每一次的專輯發表中均有出人意表的傑出成績，緊接著2001年底的Filtered Through Friends後，這張名為「藍色旗竿的最頂端」專輯，其靈感源自北歐童書中的一個角色Pippi Longstocking。Spunk原音樂器的實驗彈法、現場取樣的活用以及電音音效的組合一直是他們為人所稱道的地方，而即使如此，這次他們更是進一步的跨出這樣的自我設限，開始加入更趣味盎然的實驗手法，譬如將廚房的鍋碗瓢盆當成打擊樂器使用，甚至將一些幼兒玩具拿來當作原始聲源而開始作各種可能的把玩，使得這張專輯聽來充滿童趣的巧思，從頭到尾處處充滿了令人驚喜雀躍的幽默與隨想玩心。
— by Ricardo
Maja Ratkje專題介紹
Fra Lippo Lippi -- The Early Years (RACD101)
挪威樂隊Fra Lippo Lippi的兩張選輯想必會讓許多鍾情於Joy Division，The Smiths，甚至這兩支樂隊的相關嫡系樂隊的樂迷們感到相見恨晚。相較於The Best Of精選裡多數慢板並以鋼琴為基調的情歌型態作品，The Early Years早年珍稀曲目的選輯更叫人驚豔。陣陣後龐克新浪潮鼓聲，與神似Ian Curtis但更為多情惆悵憂患飄浪，卻又不至Morrissey的純然自溺，鋼琴的優雅沉謐new wave弱水一瓢般的吟奏，勾勒出一張至為完整的八零年代前期好時光的標誌與地圖。十八首曲目全在八一到八三年間發生。1983作品顯然來得最具新浪漫節拍──後龐克當道的年頭，可以聽到這樣被遺忘或錯失的象徵性美好，確實是一件幸福的耽溺。
— by coldbean